quinta-feira, 31 de março de 2011

The Doors



The Doors foi uma banda de rock estadunidense dos fins da década de 1960 e princípio da década de 1970. O grupo era composto por Jim Morrison (vocal), Ray Manzarek (teclado), Robby Krieger (guitarra) e John Densmore (bateria). A banda ainda recebeu influências de diferentes estilos musicais, como o Blues, Jazz, Flamenco entre outros.

Após a dissolução da banda no início da década 70, e especialmente após a morte de Morrison em 1971, o interesse nas músicas dos Doors tem-se mantido elevado, ultrapassando mesmo por vezes o que o grupo teve enquanto esteve activo. Em todo o mundo, os seus discos já venderam mais de 50 milhões de cópias.


O grupo formou-se em 1965 em Los Angeles após um encontro de estudantes de cinema da UCLA. Nesse encontro, Morrison cantou alguns poemas para Manzarek entre os quais “Moonlight drive”. Manzarek já tocava numa banda chamada Rick and The Ravens, enquanto Krieger e Densmore tocavam nos The Psychedelic Rangers, mas conheciam Manzarek por frequentarem juntos aulas de meditação.
 


A banda foi buscar o nome ao livro The doors of perception de Aldous Huxley, que por sua vez o tinha ido buscar a um poema de William Blake, artista e poeta do século XVIII que dizia: “If the doors of perception were cleansed, everything would appear to man as it is, infinite” (se as portas da percepção fossem abertas, tudo apareceria ao homem como realmente é, infinito).


A banda se destacou na cena da época, porque foi uma das primeiras a tratar de temas obscuros, mulheres e dinheiro, mas também a sua música continha letras de cunho político, escritas na sua maioria por Jim Morrison. A batida “jazzística” de Densmore, o bailado das teclas de Manzarek, que com a mão esquerda tocava as partes que deveriam ser tocadas pelo baixo, e a guitarra de Krieger, que mostrava grandes influências do flamenco, da música indiana, do blues e da guitarra clássica, combinadas formavam um som original.


Muitas das músicas dos Doors eram feitas em comunidade; Morrison normalmente fazia as letras e parte da melodia, enquanto os outros trabalhavam no ritmo e composição da música. Morrison uma vez passeava numa praia da Califórnia com Manzarek, quando passaram por uma rapariga afro-americana; tendo escrito, baseado nisso, em apenas uma noite, a letra de “Hello I love you”, referindo-se à rapariga como “dusky jewel” (jóia negra).


A banda rapidamente ganhou reputação devido à sua rebeldia, principalmente nos concertos. Quando se apresentaram no famoso Ed Sullivan Show, que já tinha mostrado grandes bandas como os Beatles, Rolling Stones e The Who para o público, censores exigiram que o grupo alterasse a letra de “Light my fire”, mudando o verso “Girl we couldn’t get much higher” para “Girl we couldn’t get much better”. No entanto, Morrison cantou a letra original, que devido a ser uma atuação ao vivo, deixou a companhia impotente para fazer alguma coisa. Noutro incidente, em 1969, num concerto em Miami, terá mostrado os órgãos genitais; foi por isso levado a tribunal, não se tendo, no entanto chegado a nenhuma conclusão. Morrison terá dito que tinha perdido muito tempo com este julgamento, mas que tinha sido uma experiência valiosa, porque ele tinha, antes desse episódio, uma visão muito irreal da justiça americana, e que o julgamento lhe teria aberto os olhos.
 


Enquanto Morrison como figura principal recebia a maior parte da atenção que era dada ao grupo, inclusive nas capas dos ábuns era Morrison que mais aparecia, aos outros membros tornava-se difícil de obterem reconhecimento. Antes de um concerto, em que o apresentador terá anunciado o grupo como “Jim Morrison and The Doors”, Morrison, num acesso de raiva recusou-se a entrar em palco enquanto o grupo não fosse anunciado apenas como “The Doors”.


Em 1971, Morrison morreu em circunstâncias misteriosas, quando vivia em Paris, o que levou alguns fãs a pensarem que ele teria simulado a sua morte para escapar à popularidade. Os restantes Doors continuaram, com Manzarek e Krieger a substituírem Morrison como vocalistas e editaram mais dois álbuns, Other voices em 1971 e Full circle em 1972. Chegaram a realizar novas apresentações ao vivo e duas músicas obtiveram destaque: “In The Eye Of The Sun” e “Tightrope Ride”, ambas do álbum Other Voices.


Não sendo um fracasso comercial, “Other voices” também não teve um enorme sucesso. Após a edição de “Full circle”, a banda separou-se por não se sentirem bem sem Morrison.


Em 1991, Oliver Stone, realizou o filme The Doors, com Val Kilmer no papel de Jim Morrison. Enquanto muita gente ficou espantada com a encarnação de Kilmer, o filme continha muitas imprecisões e os membros do grupo ficaram descontentes com o retrato de Morrison feito por Oliver Stone, que por vezes o fez passar por um psicótico descontrolado, sem dar o merecido destaque a sua arte poética.


Nos fins de 2002, Manzarek e Krieger fazem renascer os Doors, com Ian Astbury dos Cult no lugar de Morrison e com o baterista Ty Dennis e o baixista Ângelo Barbera, ambos pertencentes à Robby Krieger Band, chamando a si próprios os Doors do século XXI. No entanto, um processo por parte do ex-baterista John Densmore resultou na mudança do nome para “Riders on the Storm”, alusão a uma de suas músicas mais conhecidas.

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quarta-feira, 30 de março de 2011

George Carlin




George Denis Patrick Carlin nasceu em Nova Iorque (12 de maio de 1937) e morreu em Santa Monica (22 de junho de 2008). Foi um humorista, ator e autor estadunidense. Pioneiro, com Lenny Bruce, no humor de crítica social. A sua mais polêmica rotina chamava-se "Sete Palavras que não se podem dizer na Televisão", o que lhe causou, durante os anos setenta, vários dissabores, acabando preso em inúmeras vezes que levou o texto a palco.

Até meados da década de 1960, Carlin manteve uma imagem tradicional, com barba e cabelo curto. Depois, ao escrever novo ato, decidiu deixar crescer o cabelo e a barba, tornando-se um ícone da contracultura. Crítico acérrimo das religiões, ateu convicto, principalmente do sentido da culpa e do controle social, defendia valores seculares.

Aplaudido por vários colegas, como Lewis Black e Bill Maher, George Carlin chegou ainda a participar em vários filmes e séries de TV. Dublou ainda filmes de animação, como Carros e outros.



Em 22 de Junho, 2008, Carlin deu entrada no hospital Saint John's Health Center em Santa Monica, California, com dores no peito, vindo a falecer naquele dia às 5:55 p.m. Carlin tinha 71 anos. Sua morte ocorreu uma semana após sua última apresentação no Orleans Hotel e Casino de Las Vegas. Seguindo seus pedidos, Carlin foi cremado e suas cinzas espalhadas sem qualquer serviço de homenagens publicas ou religiosas.


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terça-feira, 29 de março de 2011

FRASE DE TERÇA

Vingança é pegar a mulher do seu pior inimigo. Doce vingança é descobrir que ela é ruim de cama.” (Autor Desconhecido)

segunda-feira, 28 de março de 2011

Foghat



Foghat começou sua carreira em 1971 como um grupo de jovens ingleses, em vez despretensiosa com um carinho de blues norte-americano dos anos 50 e rock 'n' roll. Em meados da década, tinham evoluído para uma turnê maior e ato da gravação, tocando uma marca pumped-up do boogie-rock para o público tamanho arena. Seus olhares cresceu flashier, seu som gordo e preenchido, mas o núcleo do roots-rock da banda manteve-se sempre presente sob a superfície.

Do ponto de vista de alguns críticos, Foghat comprometer indevidamente sua abordagem precoce baseados no blues, a fim de obter recompensas comerciais. Certamente, a meados da década de 70 hits (“Slow Ride”, “Drivin 'Wheel”, “
Stone Blue”) não visavam os puristas do rock do mundo. Mas também é verdade que eles continuaram a registar blues tradicional e material de R & B ao longo dos anos com Bearsville Records. Na verdade, álbuns final Foghat na Bearsville reafirmou seu amor por puro, música primal americano.

Lonesome Dave Peverett (vocais, guitarra), Rod Price (guitarra), Tony Stevens (baixo) e Roger Earl (bateria), todos saíram do vital unida em Londres, a cena de blues dos anos 60. Peverett (nascido em 1943) chamou a atenção como líder do The Ties Cruz Blues Band e, em seguida servido um stint com a Swiss rock Perguntas grupo Les. De lá, voltou para a Inglaterra e se juntou a Savoy Brown, que já havia se estabelecido com os seus "Shake Down" do álbum.
Como guitarrista ritmo Savoy Brown e, mais tarde, o vocalista, Peverett apareceu na banda, “Getting To The Point”, “Blue Matter”, “A Step Further”, “Raw Sienna,” e “Looking In” álbuns.

Houve um LP, lançado em 79 pela London Records Collectors Series, chamada “Before Foghat Days”. Este foi um álbum desconhecido para a maioria das pessoas. De acordo com o encarte, durante uma pausa no estúdio durante a gravação de Savoy Brown "Um passo a mais" do álbum, Dave, Tony e Roger começou tocando, pegando músicas antigas rockabilly em cima de suas cabeças. Desconhecido para eles, o engenheiro tinha as fitas de rolamento. Depois de ouvir as fitas que eles decidiram gravar mais algumas músicas e lançá-lo como um álbum. Ele foi originalmente lançado em 69 como “Warren Phillips e os Rockets”. É feito no velho estilo Sun Records, ea idéia original era escrever notas do forro falso sobre as gravações perdidas da “lendária” Warren Phillps. Ele diz que 95% foi registrado em uma tomada, algumas músicas sendo “Shake, Rattle, and Roll”, “Money Honey” e “Matchbox”. Uma canção ainda apresenta um solo de Dave kazoo.

No início de '71, Peverett decidiram entrar em greve por conta própria, tendo Savoy Brown, o baixista Tony Stevens eo baterista Roger Earl com ele. Com a contratação de Rod Price (um outro jogador dos azuis de Londres) na guitarra, o novo grupo começou a despertar interesse. fundador Bearsville Albert Grossman colocou a banda ainda sem nome em um estúdio de Londres para as gravações iniciais com Todd Rundgren. Em última análise, Rundgren não parecia a escolha certa para o produtor, apesar de algumas faixas, gravou com o grupo foram incluídos no seu álbum de estréia.

O “Foghat” LP (1972) foi produzido por Dave Edmunds, cujo estilo peculiar no estúdio pode ser ouvida em todo o álbum. "Dave foi muito cedo e em Elvis the Sun Records coisa", recorda Peverett. “Eu adorei os efeitos progressiva ele ficou nos vocais. Ele não estava com medo de tentar idéias som off-the-wall”. “Ubangi Stomp” estava entre várias gravações dessas sessões que não fazer o álbum. A pista apresenta Foghat é muitas vezes subestimada rockabilly lado, e as características Colin Earl de Mungo Jerry em Piano.



Na véspera da conclusão do álbum, a banda ainda estava às voltas com a escolha de um nome. Brandywine Track e hootch foram consideradas e rejeitadas. Finalmente, Foghat foi selecionado. Peverett tinha feito até esta palavra sem sentido em um jogo de infância com seu irmão, e uma vez tentou convencer o colega de banda Savoy Brown Chris Youlden para mudar seu nome para Lutero Foghat. (Youlden não vêem a sabedoria de tal movimento.)

Lonesome Dave e Rod Prince Foghat do primeiro LP intitulado “eponymously” alcançado a posição # 127 nas paradas dos EUA, com o single "I Just Want To Make Love To You" lhes ganha um pouco de atenção rádio. A banda rapidamente seguiu até esta gravação e lançamento de “What a Shame”, que subiu para # 82. Produzido por Edmunds, “What a Shame”, viria a ser incluído na forma remixada em seu segundo álbum, "Foghat" (ou “Rock & Roll”).

O “Rock & Roll” LP foi produzido por Tom Dawes, após várias sessões com Edmunds decepcionante no comando. Anteriormente com o Cyrkle (“Red Rubber Ball”), Dawes trouxe um toque mais mainstream abordagem Foghat de estúdio. (A capa do álbum, idealizado pelo cineasta Robert Downey, apresentava uma foto de uma rocha e um rolo no lugar de um título. Um trocadilho visual nem todos compreenderam.)

Rod Price e Tony Stevens Dawes foi chamado de volta para a produção de Foghat o álbum “Energized” (1974), que incluiu um remake do R & B com sabor de Buddy Holly “
That'll Be The Day”, entre seus destaques. Apesar de “Energized” passou a atingir o estatuto de ouro em os EUA, a banda não estava exatamente feliz com a sua produção. “Tom Dawes era realmente talentoso, mas seu gosto musical diferente da nossa”, diz Peverett. "Queríamos alguém que entendeu o sentimento da nossa música um pouco mais."

A banda encontrou um parceiro de estúdio em Nick Jameson. Vindos de Filadélfia, Jameson havia se tornado parte da família Bearsville Todd Rundgren, quando trabalhou com a banda de Nick “American Dream”. A partir daí, tornou-se um engenheiro Jameson, remixando algumas faixas do “Foghat” álbum. Ele voltou a produzir e engenheiro do grupo, “Rock And Roll Outlaws” LP (1974), de onde vem a música melancólica midtempo “Dreamer”.



Rod Price Nesta fase em sua carreira, Foghat tinha um histórico bastante desigual. O sucesso de "Energizada" não foi compensada por “Rock And Roll Outlaws”, deixando a banda com dúvidas sobre seu futuro. Foghat continuou a turnê implacavelmente os EUA, principalmente como um ato de abertura. Com quatro álbuns no currículo, eles se encontraram uma faixa de nível médio purveying blues / rock a um mercado que havia se afastado de tais sons de terra.

Lonesome Dave e Nick Jameson da banda sorte virou-se com “Fool For The City” (1975), que foi o seu primeiro álbum a ganhar disco de platina, e introduziu Foghat ao Top 40 das rádios com o hit “Slow Ride” (Best Of Foghat, Vol. 1.). Nesse mesmo ano, Stevens foi substituído no baixo por Jameson, que adaptou suas habilidades na guitarra para o instrumento após várias semanas de prática intensiva. O Foghat renovada e revitalizada atingiu as grandes ligas no passado, embora não sem algum sacrifício artístico. “Acho que comecei a pintar-nos em um canto com “Fool For The City” , Peverett diz hoje. Havia uma pressão para chegar a outra “Slow Ride” ” .

Craig MacGregor Jameson saindo de Foghat para prosseguir uma carreira a solo, que posteriormente evoluiu para agir, e não uma turnê com a banda novamente. Ele foi substituído em 1976 por um veterano baixista da Califórnia, Craig MacGregor. Sua abordagem, condução sólida para tocar baixo reflete maior ênfase sobre Foghat simples, números agressiva boogie rock. “Slow Ride” se tornou uma canção de marca para nós, e foi aí que a música intitulado”, diz Peverett. “O som da banda ficou maior. Fomos tocar em lugares maiores, e esse tipo de influência as nossas coisas. Queríamos canções que iria trabalhar na frente de grandes platéias.”



Turno da Noite (1976) continuaram o sucesso certificado de ouro de “Fool For The City”, gerando o hit “Drivin 'Wheel”. “
I'll Be Standing By” (que alcançou a posição # 67) e um remake de balanço da R & B clássico “Take Me To The River”, também foram lançadas como singles. “Night Shift” foi produzido pelo ex-membro do Grupo de Edgar Winter Dan Hartman, que ajudou a empurrar Foghat ainda mais em uma direção, comercial airplay orientada.

Lonesome Dave Foghat Live (1977), produzido por Nick Jameson, capturou a banda no auge de sua fase Boogie Monster. Desde a introdução bombástica com "Fool For The City" para o tratamento prolongado de "Slow Ride", o álbum encontra-los jogar o rolo ao máximo. A versão do álbum de “I Just Want To Make Love To You” foi lançada como um single e alcançou # 33 na os EUA "Foghat Live" chegou a ganhar disco de platina duplo. "Eu achei um álbum ao vivo faria bem", diz Peverett. "Ele empurrou-nos ainda mais. Isso foi tão grande como nós já temos."

O álbum de estúdio ao lado, "Pedra Azul" (1978) emparelhado com o produtor Eddie Cramer, que já havia projetado gravações de Jimi Hendrix e Led Zeppelin. Cramer e Foghat não colabore, mas a tensão no estúdio pode ter contribuído para dar ao álbum uma vantagem adicional. Além da faixa-título (um hit Top 40), "Pedra Azul" continha uma tampa feroz de Robert Johnson, "Sweet Home Chicago", reafirmando as credenciais da banda de blues.

Lonesome Dave, Rod Price e Craig MacGregor Pedra Azul foi o ouro, como fez a banda em 1979 o LP "Boogie Motel", que incluiu a sua versão do general Johnson "Alguém está dormindo em minha cama." Ainda assim, Foghat estava ficando inquieta com a fórmula aperfeiçoada em "Fool For The City".

Peverett, por exemplo, foi desenhada ao som de rock New Wave. "Punk e New Wave me lembrou de rockabilly cedo", diz ele. "Ele pediu para mim, embora me sentisse Foghat foi parte do que a New Wave estava tentando substituir. Então, eu era uma espécie de bate-me em um caminho." Tight Calçados de 1980 (com "Stranger In My Home Town") foi um tentativa de incursão em New Wave. Foi também o último álbum de Rod Price participou até 1994 do Return of the Boogie Men. Ele foi substituído na guitarra por Erik Cartwright, um jogador versátil que já havia gravado com Dan Hartman.

Lonesome Dave, Craig MacGregor e Erik Cartwright Cartwright Foghat entrou a tempo de aparecer em "Girls & Boys Para Chat Para Bounce" (1981), que foi produzido por Nick Jameson, servindo também como baixista. Um esforço surpreendentemente credível num Dave Edmunds / veia Elvis Costello, mas faixas como "Live Now - Pay Later" não conseguiu vencer Foghat muitos novos convertidos.

In The Mood For Something Rude (1982) foi em grande parte um álbum de R & B cobre, fundidas num espírito de boa diversão (como evidenciado por "escorregou, tropeçou, caiu no amor").

Uma abordagem semelhante lúdica pode ser ouvida em "Zig-Zag Walk" (1983), álbum do Foghat Bearsville final. "That's What Love Can Do" estava entre os roqueiros despojado deste conjunto. Após a saída de Craig MacGregor, velho companheiro de Nick Jameson atuou como produtor (sob o nom du Disque "Franz Leipkin") eo baixista e tecladista (creditado como "Eli Jenkins).

Depois de Zig-Zag Walk seu lançamento em 1983, Craig MacGregor Foghat partiu e foi substituído por Kenny Aaronson, que teve que deixar o grupo por razões médicas. Aaronson foi substituído por Rob Alter (ex-guitarrista do grupo, Ian Hunter), que também teve que sair por razões médicas no ano seguinte. Alter foi substituído por Craig MacGregor retorno de ex-alunos.

Foghat continuou a turnê até início de 1985, quando Dave Lonesome retirou-se para Inglaterra, depois de uns 16 anos na estrada.

Foghat no pico da fase de Boogie Monster-Os restantes membros (Roger Earl, Erik Cartwright e Craig MacGregor) teve uma breve pausa e, juntamente com Jim Robarge em Hammond B-3 e piano, reunidos como The Kneetremblers. Anunciado como "antigamente Foghat," O Kneetremblers jogou R & B até 1986, quando Robarge deixou o grupo e foi substituído por Eric "EJ" Burgeson nas guitarras. Poucos meses depois, o Kneetremblers, citando a pressão do ventilador e do conhecimento Burgeson do material (Burgeson tinha feito um teste para a posição de Rod Price), começou a excursionar como Foghat. Esta banda se tornou mais tarde conhecido como "Roger Earl's" Foghat.

Foghat Roger Earl's passou por uma série de jogadores ao longo dos próximos anos. Craig MacGregor continuou até o final de 86, quando partiu para gravar suas próprias músicas. MacGregor foi substituído no baixo por Brett irmão Erik Cartwright (Joan Jett), que permaneceu até 1989 e foi posteriormente substituído por Jeff Howell (Savoy Brown). Também com partida em 1989 era Eric "EJ" Burgeson, que deixou a banda para se juntar Craig MacGregor. Burgeson foi substituído por Phil Nudelman que por sua vez deixou em 1990 e foi substituído por Billy Davis. A substituição definitiva Crigger estar Dave, que substituiu Jeff Howell no baixo em 1992.

Bryan Basset e Lonesome Dave Em 1990, Lonesome Dave Peverett reativada Foghat como "Lonesome Dave's Foghat", com novos jogadores, incluindo o guitarrista Brian Bassett (guitarrista Wild original de cereja e, posteriormente, Molly Hatchet), o baterista Eddie Zyne (Hall e Oates), o baixista Stephen Dees (a partir de Hall e Oates) e, mais tarde, o baixista Riff West (10 anos baixista do Molly Hatchet), acertando o circuito de clubes EUA mais uma vez. Foghat Lonesome Dave também incluiu apresentações de Rod Price.

As duas versões do Foghat excursionou separadamente a partir de 1990 até 1993. O Foghat original foi reformado em 1993, quando Tony Stevens e Rod Price voltou, e as coisas foram remendados entre Dave e Roger.

Lonesome Dave, Craig MacGregor e Erik Cartwright Lonesome Dave Peverett, Rod Price, Tony Stevens, e Roger Earl, os membros da banda original de fundação, em turnê com seu CD de estúdio, "Return Of The Boogie Men" e do CD de acompanhamento ao vivo "Road Cases" (com Bryan Basset substituir Rod Price, em 1999) até a morte prematura Lonesome Dave's em 2000. Eles haviam retornado para o blues básico / rock de 29 anos atrás. Mesmo em seu auge como hitmakers, que era a essência do som da banda. Ficaram os verdadeiros crentes no coração.



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quinta-feira, 24 de março de 2011

GIBSON




Por mais de 100 anos a Gibson tomou a iniciativa de criar as inovações que escreveram a história musical. Especialmente suas guitarras, são as grandes estrelas em cima dos palcos e companheiras inseparáveis das mãos de monstros sagrados como Keith Richards, Eric Clapton e Peter Green. Os instrumentos fabricados pela Gibson são destinados a serem os clássicos de amanhã. Cada um deles possui o background de tradição, de inovação e do compromisso com qualidade que só a Gibson pode oferecer.
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A história
Tudo começou quando Orville Gibson, nascido em 1856 na cidade de Chateaugay, estado de Nova York, iniciou em 1894 a fabricação de mandolins, bandolins e violões (sendo o primeiro a colocar cordas de aço neles) na cidade de Kalamazoo, no estado do Michigan. O senhor Gibson, que tinha estudado a construção de violinos, foi pioneiro no projeto arch top, em que o corpo do instrumento era curvo em vez de plano. No dia 11 de outubro de 1902, fundou a Gibson Mandolin-Guitar com o objetivo de comercializá-los, embora tenha cessado o seu envolvimento com a empresa um ano depois.

Les Paul

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No entanto, Gibson não queria construir instrumentos como os que os outros faziam: queria aplicar seus conceitos de construção de violinos e violoncelos aos bandolins e violões. Apareceram assim instrumentos com tampo e fundo curvo esculpido, além da tradicional boca redonda que foi substituída por aberturas em forma de “F”. A ponte (ou cavalete), antes colocada no tampo, passou a ser móvel, como nos violinos, atuando como um transmissor das vibrações das cordas para o tampo e caixa de ressonância. As madeiras empregadas passaram a ser similares às usadas nos violinos. Nascia, além da Gibson que todos conhecem hoje, a guitarra de Jazz. Na década de 30, a empresa passou a fabricar as primeiras guitarras semi-acústicas disponíveis comercialmente, que foram popularizadas por Charlie Christian.

Lucille (ES-355)

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Com as modificações realizadas pela Gibson e com o aumento do tamanho da caixa de ressonância, realizada ainda na década de 30, a guitarra conseguiu um substancial aumento de volume sonoro. Os modelos lançados pela Gibson, particularmente L-5 e Super 400, viraram campeões de popularidade entre os grupos de Jazz. Em 1936, a empresa lançou a guitarra “Electric Spanish”, modelo ES-150: uma guitarra acústica de jazz com um captador montado próximo ao braço. Não é de surpreender que a Gibson já possuísse know-how para um lançamento deste tipo: muitos acreditam piamente que o famoso engenheiro Lloyd Loar, principal responsável por grande parte das criações da Gibson, havia realizado diversos experimentos (e com sucesso) relativos a eletrificação de instrumentos enquanto trabalhou na Gibson, de 1919 a 1924.

Explorer

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Em 1949 nascia a primeira guitarra que faria história: a Gibson ES175. Até então, as guitarras eram essencialmente desenhadas como instrumentos acústicos com a adição de um pickup. Este modelo mudou essa idéia, pois já foi conceitualmente projetado como uma guitarra elétrica. Corpo profundo, “f-holes” e uma única reentrância (cutaway) na parte inferior do corpo, em estilo Florentino. Originalmente, trazia um único captador, modelo P90 (soapbar).

SG

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Em 1952, a revolução. Com a participação do popular guitarrista Les Paul, a empresa inicia a fabricação de instrumentos de corpo maciço que viriam a se tornar lendários. Paul foi responsável por inúmeras inovações, inclusive pela introdução dos captadores do tipo Hambucker. O histórico modelo foi extremamente modificado até que se chegasse à sua versão “Standard”, o que só ocorreu em 1958, com a adição dos humbuckings, desenhados por Seth Lover, que se tornaram “o som marca registrada” das guitarras Les Paul, muito volume, muito sustain e nenhum hum (daí o nome humbucking). A Les Paul é, provavelmente, o “definitivo” som do Rock and Roll. Jimmy Page talvez seja o ícone maior dos tantos “monstros” que eternizaram a Les Paul como a guitarra do Rock. Praticamente todos os grandes guitarristas já usaram - ou ainda usam - uma Les Paul como instrumento básico de trabalho.
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Após ser comprada pela Norlin Corporation no final da década de 60, a qualidade dos instrumentos declinou. Em 1974, a empresa inaugurou na cidade de Nashville no Tennessee, a fábrica conhecida como Gibson USA, para produção de guitarras elétricas Les Paul. Dez anos depois, passando por enormes dificuldades financeiras, a empresa mudou sua sede para Nashville e fechou sua fábrica original em Kalamazoo. Somente em 1986, quando os empresários Henry Juszkiewicz e David Berryman compraram a Gibson, a empresa começou a sair da crise. A Gibson Guitar Corporation, uma das mais renomadas fabricantes mundiais de guitarras acústicas e elétricas, se tornou responsável por lançamentos clássicos como as guitarras ES-175, ES-335, Flying V, Explorer, Firebird e SGs, além das lendárias Les Paul.
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O pioneirismo
A Gibson foi o primeiro fabricante a: utilizar um tensor ajustável, a desenvolver uma ponte ajustável; a projetar um bandolim com buracos em “f”; a produzir a primeira guitarra de jazz com o corpo arqueado; a oferecer um banjo com aro de bronze; a fabricar a falange do banjo; a oferecer uma ponte com entonação ajustável Tune-o-matic; a instalar o Stopbar; a fabricar uma guitarra elétrica com tipos de madeiras diferentes; a desenvolver a guitarra semi-acústica; a experimentar e modernizar os formatos dos corpos às guitarras; a fabricar o captador humbucker; a produzir a primeira guitarra ecológica (série Smartwood®); entre muitas outras evoluções. -
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As guitarras Les Paul foram, e ainda são as preferidas de ícones como Jimmy Page (Led Zeppelin), Scott Gorham e Brian Robertson (Thin Lizzy), Duane Allman, Slash (Guns N' Roses), Velvet Revolver e Ace Frehley (Kiss). Já os modelos da série SG ganham vida pelas mãos de Pete Townshend (The Who), Angus Young (AC/DC), Frank Zappa, Adrian Smith (Iron Maiden) e Tony Iommi (Black Sabbath).
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Os números seriais
Cada guitarra Gibson possui um número de série gravado, que a partir de 1975 foi padronizado. Os oito dígitos (nove a partir de 2005) do número de série mostram a data de produção, onde foi produzido e a ordem de produção. O número de série possui códigos básicos:
YDDDYRRR

YY: ano de produção.
DDD: dia da fabricação.
RRR: pedido do produto/onde foi fabricado.

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Os números da fábrica onde o instrumento foi construído seguem um padrão:
001-499 Kalamazoo, Michigan (1975-1984)

500-999 Nashville, Tennessee (1975-1990)
001-299 Bozeman, Montana (após 1989)
300-999 Nashville, Tennessee (após 1990)
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Por exemplo, o número serial 90992487 significa que a guitarra foi produzida no nonagésimo nono dia de 1992 (quarta-feira, 8 de abril) na fábrica de Nashville, no Tennessee, e foi o instrumento de número 487 produzido naquele dia.

A Gibson, além de fabricar instrumentos sob seu próprio nome, é detentora das marcas Epiphone, Kramer, Valley Arts, Tobias, Steinberger e Kalamazoo. A empresa também fabrica pianos sob a marca Baldwin e baterias sob a marca Slingerland.


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segunda-feira, 21 de março de 2011

29 anos sem Randy




Randall Willian Rhoads, ou simplesmente Randy Rhoads, nasceu em 6 de dezembro de 1956 na cidade de Santa Mônica no estado da Califónia - EUA. Seu pai era professor de musica em escolas públicas e deixou a familia quando Randy tinha apenas 17 meses. Seu irmão mais velho, Kelle, era baterista e cantor, sua irmã, também mais velha, Kathy, tocava violão e sua mãe Delores tinha uma escola de música de muito sucesso chamada Musoni.

Com sete anos de idade Randy ganhou seu primeiro violão, um antigo Gibson que era de seu avô. Estudou música folclórica e piano na escola de sua mãe. Um dia seu irmão o levou a um show de Alice Cooper e foi desse momento em diante que Randy decidiu ser um guitarrista de rock. Suas primeiras lições de guitarra foram numa Harmony Rocket (semi-acústica) com Scott Shelly, um professor da escola Musonia. Um dia Scoot disse a Delores que não tinha mais nada a ensinar a Randy porque o garoto já sabia tudo o que ele sabia.

Aos 14 anos montou sua primeira banda, o Violet Fox, ele próprio na guitarra base e Doug na batera. Com 15 anos começou a dar aulas na escola de sua mãe se tornando um professor muito requisitado. Depois vieram as bandas The Katzenjammer Kids e Mildred Pierce, tocando em festas de bairro até formar o Little Women, em 1976, com o baixista Kelly Garni e o vocalista Kevin DuBrow. Nessa época ele dava aulas de dia e tocava com o Little Womem à noite. Mais tarde a banda trocaria de nome, vindo à se chamar Quiet Riot e se tornando umas das maiores bandas de Los Angeles.

Em 1978 o Quiet Riot gravou seu primeiro álbum intitulado “Quiet Riot” e em 1979 “Quiet Riot II”, ambos amparados pela gravadora CBS\\Sony records e lançados apenas no Japão. No dia 22 de setembro de 1979, dia que o Quiet Riot tocava no “Whiskey a Go-Go” em Los Angeles, Randy se apresentou pela primeira vez com sua Flying V que ficou conhecida por ser preta com acabamento em bolinhas brancas, em forma de "V", que custou 738 dólares e que fora feita por Kard Sandoval por encomenda do próprio Randy Rhoads. Ele também tocava sua Gibson Les Paul branca. Depois foi feita outra Flying V de cor preta, conhecida como “Dean flying V”.

Dean flying V


Ainda em 1979 através do amigo Dana Strum, Randy foi fazer um teste para uma banda que estava sendo formada por Ozzy Osbourne (Black Sabbath) que pensava em voltar para a Inglaterra, pois já havia feito testes com quase todos guitarristas de Los Angeles e não gostando de nenhum. Quando Randy ligou a guitarra em um amplificador de estudo e começou a se aquecer, foi o suficiente para Ozzy ver que havia encontrado a pessoa certa.

O grupo foi formado com Ozzy (vocal), Randy (guitarra) e Dana Strum (baixo) e por sugestão de Randy o baterista escolhido foi Frankie Bannali (Quiet Riot). Após algumas apresentações em Los Angeles iriam para a Inglaterra gravar um álbum, mas a gravadora obteve apenas uma licença de entrada para trabalho a um não-inglês, e o escolhido foi Randy Rhoads.

No Dia de Ação de Graças de 1979, Randy na casa de Ozzy em Wales começou a compor músicas com Ozzy para o seu primeiro disco solo intitulado “Blizzard Of Ozz” (trocadilho com “O Mágico de Ozz”) que é considerado pela crítica e pelo próprio Ozzy seu melhor disco fora do Black Sabbath. A banda ensaiava no salão “John Henrys” em Londres, onde as pessoas passavam e ficavam olhando, depois iam a um pub para testar as canções. Uma delas, “Crazy Train”, chegou a mexer com o público, o que os deixou entusiasmados. Entre eles estavam Bob Daisley (baixo) e Kerslake (batera), ambos ex-integrantes do Uriah Heap, que fizeram teste e foram contratados por Ozzy. A banda de Ozzy entrou no Ridge Farm Studios em 22 de março de 1980 para gravar o primeiro disco. Terminado o disco, Randy volta à Califórnia onde se apresenta com o Quiet Riot no Starwood club.

Ozzy e Randy


Rudy Sarzo baixista do Quiet Riot se junta a Randy e Ozzy para a turnê “Blizzard of Ozz” pelos EUA. Em setembro de 1980 a banda voltou ao Reino Unido. O show quebrou o recorde de bilheteria do Apollo Theatre em Glasgow, Escócia. Fizeram 34 shows em três meses. Em dezembro de 1980 Randy estava na Califórnia para encomendar outra guitarra, agora com Grover Jackson. Faltava uma semana para o Natal. Com o desenho num pedaço de papel, Randy Rhoads e Grover Jackson criaram a primeira guitarra “Jackson”: a branca “Flying V” (ou simplesmente "rabo de peixe") - sinônimo de Randy Rhoads e que inclusive se tornou muito popular nos anos 80. Todo guitarrista queria tocar com este tipo de guitarra, o que fez com que a Jackson, que era uma guitarra artesanal, se tornasse uma fábrica reconhecida mundialmente. Em fevereiro e março de 1981, a banda de Ozzy gravou o segundo álbum, “Diary Of A Madman”, no Ridge Farm Studios, e partiram para shows com Tommy Aldrige (batera) para a turnê americana. No fim da turnê, Randy foi a Grover Jackson para fazer outra guitarra, queixando-se que as pessoas pensavam que a branca “Jackson” era a “Flying-V”. Ele queria uma diferente. Semanas depois, Randy foi ver o protótipo que Grover Jackson criara. Randy e Jackson ficaram desenhando sobre a madeira por uma hora até concordarem com o desenho final. Ele recebeu a segunda Jackson quando a turnê “Diary Of A Madman” já havia iniciado. Foram três guitarras encomendadas por Randy Rhoads: a primeira (modelo preto) e mais duas. Uma delas foi acidentalmente vendida através do mostruário da Jackson, e atualmente pertence a Rob Lane (jacksoncharvelworld.com); a terceira guitarra, Jackson parou de fazer no dia da morte de Randy.

Jackson Randy Rhoads (rabo de peixe)


Em 18 de março de 1982, a banda tocava no Civic Coliseum em Knoxville, Tennessee (EUA) e dali iriam para Orlando (Florida) tocar no "Rock Super Bowl XIV" com as bandas Foreigner, Bryan Adams e UFO. A caminho de Orlando passaram pela casa do motorista do ônibus, Andrew Aycock, que vivia em Leesbur (Florida) em Flying Baron Estares. O lugar consistia de três casas, um galpão para avião e uma pista de pouso, cujo dono era Jerry Calhoun. Andrew Aycock precisava de umas peças sobressalentes e pensou em parar ali. Andrew Aycock, que tinha dirigido a noite toda desde Knoxville, e era piloto, talvez para ser gentil, pegou o avião sem permissão e levou o tecladista Don Airey e o empresário Jat Duncan para dar umas voltas. O certificado médico de Andrew tinha expirado, portanto sua licença para voar não era válida. Perto das 9 horas, Andrew Aycock deixou os dois passageiros e convidou Randy Rhoads e Rachel Youngblood (fazia as maquiagens) para dar umas voltas. O avião voava baixo e passava zunindo perto do estacionamento onde estava o ônibus, talvez para brincar com o pessoal. Há pouco tempo o piloto havia passado por um divórcio sórdido. Acredita-se que quando a ex-esposa dele entrou no ônibus, ele voou na direção do mesmo. Passaram três vezes. Na quarta, a asa esquerda do avião raspou no teto do ônibus, bateu num pinheiro e caiu na garagem de Jerry Calhoun explodindo e destruindo tudo. Ozzy Osbourne, Tommy Aldrige, Rudy Sarzo e Sharon Arden, que tinham acordado com o primeiro impacto, achavam que se tratava de um acidente na estrada. Wanda Aycock e Don Airey, atônitos, tinham testemunhado tudo. Ozzy ainda correu para prestar socorro. Ele entrou na casa e salvou um homem que estava em chamas, mas infelizmente Randy estava morto. O show em “Rock Super Bowl XIV” foi cancelado e os promotores devolveram os ingressos.

Tumba de Randy Rhoads


Randy Rhoads descansa em paz em San Bernardino, Califórnia. Seu som, porém, não foi silenciado. Ozzy lançou o disco “Randy Rhoads Tribute” (1987), gravado em shows ao vivo (Cleveland e Montreal). O álbum vendeu 6 milhões de cópias. Em 1993, após dez anos de sua morte, foi a vez do Quiet Riot o homenagear com o disco “The Randy Rhoads Years”, com gravações da época de Rhoads. Jake E Lee, Sebastian Bach e Kane Roberts gravaram um álbum só com músicas da época em que Randy estava com Ozzy. Infelizmente nenhum VHS oficial foi produzido com Randy, mas bootlegs (gravações amadoras) de alguns shows podem ser encontrados.


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sábado, 19 de março de 2011

“Deus não joga dados com o universo.”


Uma tarde tediosa, e com previsão de acontecer nada. Mas tudo mudou devido as minhas andanças na internet. Em busca de passar o tempo entrei um tópico extremamente diferente do que vejo normalmente.

Percebo que tenho uma oportunidade de testar os meus conhecimentos e perícia em buscar as respostas. Antes de iniciar à procura das respostas do desafio fui verificar (fuçar) o autor do tópico (no caso a autora). De fato a autora é uma bela mulher, mas quem nunca viu uma bela mulher? Continuei nas buscas.

A cada resposta que dava, estreitava o laço de interação com aquela bela moça. Fui gostando de pesquisar, e assim como interagir com ela. Começamos a trocar recados por brincadeiras um para o outro.

Duas semanas depois já estávamos conversando mais seriamente. E senti que a minha sensação (uma estranha sensação) não sumia com o passar dos tempos. O meu sentimento por ela permaneceu (e ainda permanece) desde quando a conheci mais profundamente (não era só mais uma bela mulher, mas uma esplêndida mulher. Com uma admirável sabedoria).

Um grande vilão dessa história é a distancia. De fato é um grande vilão. É ele que gera as dúvidas e os longos pensamentos... e sobretudo reflexão. Será que chegarei a conhecer? Ela estará disposta a tentar essa relação (tão irreal)? Não sei o que acontecerá isso é o tempo que dirá.

Pessimismo não deve ser confundido com a realidade (possibilidades).

As decisões são tomadas mesmo com o risco de cometer um erro irreparável. Não sei ao certo o que fazer, tenho uma visão mais “libertadora”. Aquela antiga frase: “Se amas alguma coisa, deixe-a livre... Se voltar é porque você a conquistou e se não voltar é porque jamais a tivesse...”. Alguns podem imaginar que é desapego, mas prefiro chamar uma maneira não possessiva de viver.

Em um mundo de desconfiança é sempre estranho não ter receio de alguém... o receio me acompanhar pra não ter que ferir alguém igualmente.

Só acredito que tudo deve haver um equilíbrio... não há mais desarmônico do que viver na desarmônica. Não viver na comodidade de se prender em algo que futuramente deixará de ser “novo” (vibrante, excitante, cativante, delicioso, afável e deslumbrante) em um marasmo de: Sim! Não!

O que me faz viver intensamente hoje pode ser uma “construção” enganadora do meu consciente. Ou estou me enganando com o que acabei de falar? I don’t know!

Não sei se falei muito, mas sempre terei algo faltando para falar.

Agradeço a minha querida, por abrir essas dúvidas na minha mente e, sobretudo, fazer gostar de alguém de forma, estranhamente, intensa.




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quinta-feira, 17 de março de 2011

Iron Butterfly




Ano: 1966. Local: Califórnia, USA. Cena musical: caracterizada pelos sons pesados e ao mesmo tempo detalhadamente elaborados, envolvendo sentimentos que refletiram as atitudes revolucionárias daquela geração do Summer of Love.

Destacando-se naquela nova cena musical, um grupo novo cujo som não só englobava as atitudes radicais da juventude americana com sua pesada bateria e uma linha de baixo marcante, mas que também anunciava aspirações mais delicadas temperadas, pôr sua esfuziante guitarra com intrincados solos e texturas múltiplas de teclados com influencia até de música sacra. Em virtude dessa mistura, foi batizada Iron Butterffly. “Iron” pelo peso de seu som e “butterfly” pela leveza e beleza de suas músicas: um paradoxo.

Mundialmente conhecida por seu épico hit, “In A Gadda Da Vida”, com seus 17 minutos de duração (17min e 5 segundos), foi a primeira banda de rock a ter uma música tão grande executada nas rádios, detonando com os padrões então vigentes de que músicas longas não eram comerciais, e pavimentando a acidentada estrada pela qual o rock progressivo dava seus passos iniciais... Este hino psicodélico foi escrito pelo vocalista, organista, e bandleader Doug Ingle, que formou o primeiro lineup da Borboleta em 1966 em San Diego com o baterista Ron Bushy. Ainda em 66 o grupo se mudou para Los Angeles para tocar na cena musical local de pequenos clubes, conseguindo assim assinar um contrato com uma grande gravadora (ATCO, uma subsidiária da Atlantic) e obter um grande retorno de mídia por participar de excursões com The Doors, Jefferson Airplane, The Grateful Dead, Traffic, The Who, e Cream.

Após o lançamento em 1968 de seu álbum debute, “Heavy”, os membros originais Jerry Penrod (baixo), Darryl DeLoach (vocais), e Danny Weis (guitarra) foram substituídos pelo promissor e jovem com 17 anos guitarman Erik Braunn e pelo bassman Lee Dorman. Weis se uniu então a outra banda, o Rinoceros. O novo lineup gravou ainda em 1968 o segundo trabalho, o "In Gadda Da Vida", que só naquele ano vendeu quatro milhões de cópias e ficou até 1969 no Top Ten do Billboard (mais de 3 anos conscutivos no Top Chart), tendo sido o primeiro álbum a receber o Disco de Platina depois da mudança nos padrões de premiação feitos pelo RIAA (entidade responsável por este prêmio). Este prêmio histórico foi criado e foi apresentado pelo então presidente da ATCO, Ahmet Ertegun, que depois se tornou o CEO atual do conglomerado WEA.

Recentemente, “In A Gadda Da Vida” recebeu o prêmio “Multi-platina”. Esta música também conhecida/traduzida como “No jardim de Éden” ou “No jardim da vida” teve uma versão encurtada para venda como single (compacto simples em vinil ), sendo cortados os longos solos de guitarra, órgão e bateria, e ainda assim conseguindo chegar a 30ª posição na Parada de Singles.

Agendado para tocar no último dia do lendário Festival de Woodstock em 1969, o Iron Butterfly infelizmente ficou retido no aeroporto, não tendo como chegar na fazenda de Max Yasgur para o que seria o seu momento máximo na história do rock.



O 3º trabalho de 1969, “Ball”, mostrou uma maior variedade musical e recebeu o Disco de Ouro. Nesta época a banda entrou em longa turnê internacional pelos E.U.A., Canadá e Europa aonde chegaram a tocar no famoso Royal Albert Hall. Também dividiram o palco com nada mais nada menos que Jimi Hendrix, Led Zeppelin, Frank Zappa, Chicago, Janis Joplin, Steppenwolf, Canned Heat, Three Dog Night, Quicksilver, Yes, Creedence Clearwater, Rush, The Turtles, Buffalo Springfield, Crosby Stills & Nash, & The Byrds, apenas para citar algumas bandas.

Apesar do sucesso, o desgaste foi grande e “Ball” também ficou conhecido como o marco inicial do declínio da banda. Erik Braunn deixou o grupo e foi substituído pelos guitarristas Mike Pinera e Larry “Rhino” Reinhardt. Mas a magia havia ficado nos anos 60. Como decorrência, o sucesso do grupo declinou até que o Iron Butterfly se separou, em 1971.

Braunn e Bushy tentaram ressuscitar o grupo no meio dos anos setenta, com os álbuns “Sun and Steel”, de 1974, e “Schorching Beauty”, de 1975. Mas sem sucesso, posto que a música que fizeram já nada mais tinha a ver com o elaborado e fantástico som do Iron Butterfly.

Inúmeros programas de TV incluíram o Iron Butterfly como atração principal dentre os quais se destacam: The Steve Allen Show, The David Frost Show, The Red Skelton Comedy Hour, Playboy's After Dark, The Dating Game, Somethin' Else, e várias performances no American Band Stand do famoso Dick Clark. A banda também foi especialmente convidada pela Atlantic Records para tocar no concerto do 40º aniversario da Atlantic em 14 de maio de 1988 no Madison Square Garden, em Nova Iorque, e que o canal HBO gravou e televisionou ao vivo pelo mundo inteiro por satélite.

A música do Iron Butterfly também foi muito utilizada no cinema como trilha sonora em vários filmes como: Savage Seven, Manhunter, Texas Chainsaw Massacre 2, Nightmare On Elm Street, e Fatal Instinct. Assim como nos seriados de TV: Wonder Years, Hardcastle & McCormick, Roseanne, Home Improvement, The Simpsons, e Unsolved Mysteries.
Seu hit “In A Gadda Da Vidda” e sua música ainda são ouvidos freqüentemente em filmes de ação como Ford Fairlane e Sybling Rivalries, e várias vezes em shows de TV : Cheers, Letterman, Dennis Miller Show, Howard Stern. Em novembro de 1995 Ron Bushy apareceu no Phil Donahue,e no Unsolved Mysteries. Em 1996 o grupo apareceu no American Journal, America's Most Wanted, e na People Magazine.



Em 1997 a banda se reuniu para algumas apresentações ao vivo (lineup básica com Lee Dorman, Ron Bushy, Eric Barnett and tecladista Larry Rust, mas com eventuais participações de Doug Ingle e Larry Rhino) em turnês européia e americana (*WITH VIDEO* Whitehorse Mountain - Seattle/Darrington, WA 8-22-99, Easy Riders Run For The Wild - Malibu, CA 6-22-97, Junefest 5 – Las Vegas, NV 6-7-97, 1997 On the road in Europe) e de lá para cá continuam a fazer shows “revival” pelo mundo inteiro. 

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quarta-feira, 16 de março de 2011

“Oh Risoflora, não me deixe só.”



Nação Zumbi é uma banda brasileira, nascida no início da década de 1990 em Recife (capital do estado de Pernambuco), a partir na união do Loustal, banda de rock pós-punk, com o bloco de samba-reggae Lamento Negro, e originalmente chamava-se Chico Science & Nação Zumbi. O líder e vocalista da banda, o cantor e compositor Chico Science, co-fundou a banda Mundo Livre S/A e o movimento Manguebeat.

Francisco de Assis França, mais conhecido pela alcunha de Chico Science (Olinda, 13 de março de 1966 - Recife, 2 de fevereiro de 1997) foi um cantor e compositor recifense, um dos principais colaboradores do movimento Manguebeat em meados da década de 1990. O primeiro líder da banda Chico Science & Nação Zumbi, deixou dois discos gravados: Da Lama ao Caos e Afrociberdelia, tendo sua carreira precocemente abortada por um acidente de carro.



Chico Science participava de grupos de dança e hip hop em Pernambuco no início dos anos 80. No final da década integrou algumas bandas de música como Orla Orbe e Loustal, inspiradas na música soul, no funk e no hip hop. A fusão com os ritmos nordestinos, principalmente o maracatu, veio em 1991, quando Science entrou em contato com o bloco afro Lamento Negro, de Peixinhos, subúrbio de Olinda. Misturou o ritmo da percussão com o som de sua antiga banda e formou o Nação Zumbi. A partir daí o grupo começou a se apresentar em Recife e Olinda e iniciou o “movimento” mangue beat, com direito a manifesto (“Caranguejos com Cérebro”, de Fred 04, da Mundo Livre S/A). Em 1993 uma rápida turnê por São Paulo e Belo Horizonte chamou a atenção da mídia. O primeiro disco, “Da Lama ao Caos”, projetou a banda nacionalmente. O segundo, “Afrociberdelia”, mais pop e eletrônico, confirmou a tendência inovadora de Chico Science e Nação Zumbi, que excursionaram pela Europa e Estados Unidos, onde fizeram sucesso de público e crítica. O Nação Zumbi lançou um CD duplo em 1998, depois da morte do líder, com músicas novas e versões ao vivo remixadas por DJs.


A primeira apresentação foi em 1991, em Olinda, em uma festa chamada “Black Planet”. Neste mesmo ano, Chico Science e Fred Zero Quatro (do grupo Mundo Livre S/A) escreveram um manifesto do movimento Manguebeat, o Manifesto dos Caranguejos com cérebro, que tem como símbolo uma antena parabólica colocada na lama.


Em fevereiro de 1997, Chico Science faleceu devido a um acidente de carro quando viajava de Olinda para Recife. Em seu lugar nos vocais veio Jorge Du Peixe, que já tocava alfaia na banda.


Podemos citar, como bandas relacionadas a Chico Science, as conterrâneas Mundo Livre SA e Bonsucesso Samba Clube, Cordel do Fogo Encantado, Mombojó e Otto, passando por Sepultura (mais especificamente o álbum Roots), Cássia Eller (intérprete de músicas como Corpo de Lama e Quando a Maré Encher) e Arnaldo Antunes (álbum O Silêncio), além da antiga parceira e ainda em atividade: Nação Zumbi.


Em 2007 a banda recebeu homenagem do prêmio Multishow, do canal da Globosat de mesmo nome.


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segunda-feira, 14 de março de 2011

Ah! Então esse é o termo correto




As dificuldades em conversar com outra pessoa. O medo de falar alguma bobagem. E a vergonha de não saber se saberá responder com sentido. Pois é assim que se sente um misantropo quando lida com o que for que tenha sentimentos. Não sabe como é que se faz. E, ao mesmo tempo, é orgulho demais pra admitir que não sabe e, por isso, esconde isso, fingindo não se importar, não precisar, não querer saber de ninguém.

Como admitir que seu estilo de vida, seu modo de ser, seus gostos, suas escolhas, seu histórico e tudo aquilo que os outros pensam e construíram sobre você, nada disso corresponde com o que de fato existe? Não significa que misantropo é comprar uma mentira para si mesmo. Ele nega o que se sente e esconde isso, mesmo que tenha que assumir uma mudança brusca de comportamento.

Age contra a sua vontade, calando um desejo interno de ser diferente do que parece ser, de seguir conforme a música. Ao contrário disso, se pensa demais, se reflete demais, se analisa demais e o que era um rosto harmonioso e agradável transforma-se em algo cheio de poluição, pelos, rugas, bactérias, fungos, sardas, cravos, espinhas, e tudo isso sobre uma camada de tecido morto encharcado em oleosidade. Enxerga-se melhor do que se poderia normalmente ver, mas, apesar disso, o misantropo só percebe os defeitos e, desse modo, passa a sentir nojo dos outros.

Cria-se a ideia de que é super exigentes, super selecionadores, figuras intransigentes reféns do perfeccionismo. É tudo falso. É tudo ao contrário. Pessoas assim se baseiam em valores, em ideais, em pedestais. Os misantropos constatam com os próprios olhos. Os outros têm defeitos, têm manias, têm doenças, têm desvios morais, e, principalmente, os outros mentem. E aí, o misantropo se pergunta, racionalmente, se um relacionamento vale à pena. Ele quer se sentir deslocado quer se sentir diferente, mas tudo o que ele consegue é parecer assim.


Meu ódio é geral, eu detesto todos os homens;
Alguns porque são maus e fazem o mal,
Outros, porque eles toleram os maus,
Recusando-lhes o desprezo vigoroso ativo
Que deve estimular na mente virtuosa.
” (Le Misanthrope - Molière)


Na filosofia ocidental, misantropia foi ligada ao isolamento da sociedade humana. Em Platão - Fédon, Sócrates define o misantropo em relação a seus companheiros: “Misanthropy desenvolve-se quando, sem uma arte coloca completa confiança em alguém pensando que o homem é absolutamente verdadeira, sólida e confiável e, em seguida, um pouco mais tarde descobre que ele é ruim e não confiável... e quando isso acontece a alguém, muitas vezes... ele acaba... odiando todo mundo.” Misanthropy e, em seguida, é apresentada como o resultado de expectativas frustradas ou mesmo o otimismo em excesso, desde Platão argumenta que “a arte” tem permitido o potencial de misantropo reconhecer que as maiorias dos homens encontram-se entre o bem e o mal. Aristóteles segue mais uma ontológica rota: o misantropo, como um homem solitário, essencialmente, não é um homem em tudo: ele deve ser uma besta ou um deus, uma visão refletida na Renascença de misantropia como um “Estado como besta.”


Fotos: Reprodução

quinta-feira, 10 de março de 2011

Luis Royo




Nascido em 1954 em Olalla (província de Teruel), estudou em Zaragoza Delimitação, Pintura e Decoração de Interiores, trabalho de 1970-1979 em um estudo dedicado a este tipo de atividade. A partir de 1972 dedicou à pintura e desde 1977 ele publicou sua primeira história em quadrinhos em vários “fanzines”. Com o advento do boom dos quadrinhos adultos início dos anos 80 Royo decidiu dedicar-se inteiramente à banda desenhada e publicada em revistas como “El Víbora”, 1984, “Comix Internacional”, “Heavy Metal” e “Rambla”, também lançando seu primeiro álbum:- Circulus Satake (Garcia Bea & Publishers, 1985) e Desfase (Ikusager, 1986). 

Subversive Beauty
 

Em 1983 ele se juntou a Norma Editorial, de preferência de dedicar tempo à ilustração. Este campo notas logo além das nossas fronteiras para o seu domínio da cor e sua capacidade de recriar e projetar um cenário fantástico mulheres bonitas, há alguns anos se tornar um dos mais procurados após espanhol artistas gráficos, realizando inúmeras capas e ilustrações para os editores todo o mundo.
Em 1992 aparece o primeiro livro de arte, Women, a ser seguido por Malefic (1994), Secrets (1996), III Millennium (1998), Dreams (1999), Prohibited Book (1999), Evolution (2001), Prohibited Book 2 (2001), Conceptions I (2002), Visions (2003), Prohibited Book 3 (2003), Conceptions II (2003) e Prohibited Sketchbook (2004). Em 2004 ele publicou a antologia Fantastic Art: Luis Royo, com uma seleção de material apareceu nos volumes anteriores. 

Dark Labyrinth
 

Vem logo após “The Labyrinth: Tarot” (também viu a luz sob a forma de um baralho exclusivo), Conceptions III (a terceira parte de sua coleção de desenhos, com armazenamento incluído), uma nova edição do apocalíptico III Millennium, e o portfólio “Subversive Beauty Tattoo Piercing”, que está intimamente relacionado a um de seus mais recente trabalho, intitulado “precisamente precisamente Subversive Beauty”. Neste livro, cheio de imagens sensuais e provocantes, Luis Royo endereços como arma de subversão de beleza e esplendor do ser humano, muitas vezes ajudando piercings e tatuagens que desafiam o estabelecimento. 

Dead Moon
 

Em 23 º Salo del Comic de Barcelona Royo surpreende seus fãs com dois grandes acontecimentos: Wild Sketches, uma coleção inovadora, que inclui mais de 600 formatos de manga ilustrações / desenhos no Labirinto de preto e branco e escuro, um novo livro no estilo de que estamos acostumados, que recupera sua melhor ilustrações (com especial atenção para o mais erótico) e inclui outras inéditas até agora. Ficomic presta homenagem à sua longa carreira com uma exposição dos seus melhores originais.


Nesse mesmo ano o segundo volume de Anología Luis Royo Comics, que reúne os desenhos criados pelo autor a partir de 1981-1983. Também vejo a luz o segundo volume de Esboços Wild.

The Labyrinth: Tarot


Mas a grande surpresa vem no 25 º Salo del Comic, data escolhida para o lançamento Dome, um trabalho ambicioso em que acompanham o autor e seu filho Rômulo em sua viagem a Moscou, onde ele aceitou o desafio titânico de traduzir sua arte em uma 80 cúpula metros quadrados. Uma aventura sem precedentes no mundo da ilustração.


Sua obra também está em cartazes, calendários, carteiras, cartões postais, várias séries de trading cards (adesivos), baralhos de cartas, incluindo a série de cartas do tarô “The Black Tarot”, capas para jogos de vídeo e CDs, esculturas, etc Sua carreira ganhou vários prêmios internacionais, incluindo o “Silver Award Spectrum” e o Cheslew Award (ambos dos EUA).

III Millennium (The Announcement)
 Fotos: Reprodução

quarta-feira, 9 de março de 2011

Raimundos




Eles criaram o Forró-core, um estilo que mistura o som pesado das guitarras do Hardcore com o embalo dançante dos ritmos nordestinos, influência trazida principalmente por Rodolfo, cuja família é da Paraíba.

A história do Raimundos começa em Brasília, no ano de 1987. Rodolfo e Digão eram vizinhos e compartilhavam os mesmos gostos musicais. A idéia de uma banda cover do Ramones surgiu naturalmente, e contou com Rodolfo na guitarra e Digão na bateria, além dos amigos Titi (vocal) e Canisso (baixo).


A primeira apresentação realizada foi no réveillon de 1987 para 1988, e foi neste dia que Fred, futuro baterista da banda, tornou-se fã do grupo. Entre os anos de 1990 e 1992, a banda ficou fora de atividade, pois cada integrante seguiu um caminho diferente.


Uma oportunidade de show em Goiânia foi o motivo para que a banda voltasse a tocar. Rodolfo, que agora era vocalista da banda Royal Street Flesh no Rio de Janeiro, assumiu o vocal. Digão passou a comandar a guitarra. Cassino continuou como baixista, e Fred, aquele fã da banda, tornou-se o baterista nesta nova fase do Raimundos.


A banda gravou uma demo com as faixas “Nega Jurema”, “Marujo”, “Palhas do Coqueiro” e “Sanidade”, em 1993, a fim de divulgar o trabalho. As letras cheias de palavras fortes e trocadilhos maliciosos chamaram a atenção do público e da Banguela Records, selo da banda Titãs.


O disco de estréia, auto-intitulado, veio em 1994, e teve como carro-chefe a música “Selim”. O segundo trabalho é lançado pela gravadora Warner e chega um ano depois, recebendo o nome “Lavô Tá Novo”. Uma particularidade deste álbum é a produção, cujo responsável foi Mark Dearnley, que já produziu discos de bandas consagradas como AC/DC e Black Sabbath.

Formação clássica

Deste trabalho do Raimundos, deve-se um destaque especial para as faixas “Eu Quero Ver o Oco” e “I Saw You Saying (That You Say That You Saw)”, que impulsionaram o sucesso do disco. Nesta mesma época, o Raimundos ganhou grande notoriedade por ter tocado em festivais de rock ao lado de bandas como Motörhead e Iron Maiden.


Em 1996, a banda lança a coletânea “Cesta Básica”, com vídeos dos bastidores, trechos de apresentações ao vivo e três músicas inéditas: “Papeau Nuky Doe”, “A Sua” e “Infeliz Natal”. Para completar o pacote, a coletânea trazia uma revista em quadrinhos criada pelo cartunista Angeli.


O quarto álbum, “Lapadas do Povo”, traz um Raimundos mais sério e intimista, não agradando tanto o público quanto o fez com os trabalhos anteriores. Na mesma época, em um show de divulgação do disco acontece uma tragédia: um alambrado cai em cima do público, causando a morte de oito pessoas e deixando mais de 60 feridos.


Após este incidente, a banda cancela vários shows e só retorna em 1999 com o próximo álbum, “Só No Foréveis”. Este foi o disco de maior sucesso da carreira e as principais canções foram “A Mais Pedida”, “Me Lambe” e “Mulher de Fases”, tocando incansavelmente nas rádios de todo país.


Com o enorme sucesso obtido pela banda, o grupo é convidado a estrear o projeto MTV Ao Vivo. O álbum duplo, “MTV Ao Vivo – Raimundos”, foi gravado durante os shows da turnê anterior da banda nas cidades de São Paulo e Curitiba, e lançado em 2000.


No auge da carreira, Digão, Canisso e Fred são surpreendidos com a notícia de que Rodolfo deixaria a banda, alegando não estar de acordo com o rumo tomado pelo Raimundos. Os três decidem encerrar a banda, mas voltam alguns meses depois com um novo disco, “Éramos 4”, enquanto Rodolfo parte para outra banda, seguindo uma linha mais crítica do que engraçada.

Rodolfo


O novo trabalho do Raimundos trouxe diversos covers do Ramones, inclusive um ex-integrante da banda norte-americana, o baterista Marky Ramone. O álbum contou com Digão no vocal e com a regravação de uma antiga demo do Raimundos: “Sanidade”.


No ano de 2002, o grupo lança o álbum “Kavookavala”, contando com Marquim na guitarra. Após este álbum, Canisso deixa a banda e é substituído por Alf. Os integrantes dedicam-se também aos projetos paralelos à banda neste momento, causando conflitos com a agenda de shows do Raimundos.


Três anos depois, o EP “Pt Qq cOisAh” (Ponto Qualquer Coisa) é disponibilizado de forma independente na internet para download. As cinco faixas deste disco foram “Pemba Talk”, “Sol e Lua”, “Oversize”, “Folha de Zinco” e “Macaxeira”.


Um tempo depois, Canisso volta ao grupo, enquanto Alf sai. Da mesma forma, Fred deixa a banda e é substituído por Caio. O Raimundos promete uma virada na situação atual da banda e garante que o grupo ainda fará muita história.

Formação atual
 Fotos: Reprodução